✖✖✖RECENSIÓN✖✖✖

RETRATO DE GIACOMETTI

Retrato de Giacometti es una obra escrita por James Lord en primera persona, una historia verídica, un diario que narra detalladamente todas las sesiones que pasó cara a cara con el artista Alberto Giacometti, su caballete y su manojo de pinceles.

Es bonito contemplar una obra de arte, pero al mirarla, a menudo nos preguntamos qué llevó al autor a hacer esa obra. ¿porqué le concedió ese acabado? ¿qué pensaba en ese momento?

Palabra por palabra en este libro James Lord nos transporta a ese ámbito algo más desconocido y personal del arte. Nos muestra sin tapujos algunos de los pensamientos, miedos, aspiraciones, curiosidades e incluso rincones oscuros o familiares de la vida de Giacometti. Situaciones que tras sesiones infinitas de poses fueron plasmadas en un papel para más tarde dar luz a este libro.

Es interesante saber como incluso un artista indiscutible puede llegar a odiar su obra, y del odio llegar a convertirla en una aspiración, una meta a la que llegar mediante el empuje y la inspiración de autores que Giacometti creía más grandes que él, como fueron Cezzane o Picasso.
Como la abstracción absoluta en su obra puede llegar a dar lugar a las divagaciones de la mente más coherentes o en algunos casos incoherentes, o como en cuestión de cinco minutos Giacometti pasaba de considerar su obra como aceptable a declararla horrible, infame, inservible e imposible de arreglar.

Con James Lord y su diario acerca de las sesiones en el estudio de Giacometti aprendemos que el arte es la subjetividad en estado puro, tanto que una obra nos gustará o no, según el dia que la miremos.

Esta serie de imágenes completan el proceso de creación que fui llevando a cabo para realizar el ejercicio de paisaje propuesto en clase.
1. La imagen de la cabecera es la fotografía original, y las que continúan son los pasos de la obra, los cuales dieron paso a la última imagen que es el resultado final.

2. Los primeros pasos lo componen un encuadre general para poder ubicar todos los elementos dentro de mi soporte que estaba cortado a escala de la imagen original.
3. Tras esto, una mancha rápida con tonos grises señalando las partes con más luz y más sombra en la imagen. La mancha rápida no está hecha al azar, sino que lleva un orden lógico, pretende llevar el movimiento de la foto para que así, a raiz de esto sea más fácil conseguir el movimiento intenso que hay del metro.
4. Con cinta de carrocero marco algunas líneas que son estríctamente rectas. entre ellas y el fondo hay un gran contraste de color asique con la cinta de carrocero consigo que las zonas que tendran mucha luz no sean manchadas con los negros del fondo.

5. La cinta de carrocero se va retirando.
6. La imagen empieza a reconocerse a pesar de ser un encaje nada más. esto se debe al encaje y a la claridad de las luces, sombras y movimiento creado por el trazo del pincel.


sobre todos estos pasos anteriores iba marcando una y otra vez con un carboncillo en encaje principal para no perderlo.
Los pasos siguientes no están en fotos. El resultado final lo log´re a base de pincel seco y muchas veladuras.

Trabajos a Bolígrafo (Juan Francisco Casas)

Revolución en el siglo XXI. Este artista logra un hiperrealismo atroz, desgarrador e intensísimo valiéndose tan solo de bolígrafos Bic. Fascinante trabajo que merece la pena observar en persona para poder contemplar detalles, trazos del boli que componen resultados como los de las imágenes arriba subidas.

Trabajos con Graffitti

Estos son algunos de los trabajos realizados con Graffiti por el famoso "Niño de las pinturas" Artista granadino que nos enseña con cada uno de sus trabajos como el graffitti puede dar tanto juego como unos acrílicos, un óleo o unas témperas.

Trabajos con aerógrafo

Como podemos ver, la técnica del aerógrafo permite realizar desde trabajos realistas, fantasiosos hasta el campo ilustrativo. Hoy en día esta técnica es muy usada, es realmente actual pues además permite su aplicación sobre gran variedad de soportes, al igual que permite gran variedad de acabados.

✖✖✖ENCUADRE Y COMPOSICIÓN✖✖✖

En la composición, el encuadre y la sección áurea son dos términos muy unidos.
Para encuadrar bien una imagen hemos de tener en cuenta donde coinciden los puntos de mayor interés creados por la sección áurea. De esta forma lograremos que el espectador centre la atención en el elemento que nosotros elijamos.
Si por el contrario no tuviésemos en cuenta la sección áurea al realizar un encuadre posiblemente la vista del espectador se desviaría, se distraería dirigiéndose a otros elementos.
Por todo esto el encuadre es muy importante a la hora de realizar una obra, pues si todo está bien ordenado con distintas prioridades esto ayudará a que nuestra obra se entienda perfectamente.

Las dos imágenes de arriba son dos fotogramas sacados de una misma película (Sin city), en la primera vemos que la bailarina a pesar de estar en un segundo e incluso un tercer plano es lo primero del fotograma que atrae nuestra atención, esto se debe al encuadre de la fotografía valiéndose de la utilidad de la sección áurea.
Lo mismo ocurre con el fotograma de abajo.

✖✖✖LA SECCIÓN ÁUREA✖✖✖

LA PROPORCIÓN ÁUREA "es la división armónica de una recta en media y extrema razón. Es decir que el segmento menor, es al segmento mayor, como éste es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón, Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como simbolo de la sección áurea (Æ ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama número de oro = 1,618."

✖✖✖EL AGRUPAMIENTO✖✖✖

Puntillismo como tipo de agrupamiento.

En una composición un punto puede tener una gran fuerza, si en lugar de un punto hay dos, tres o más, entre ellos se crea una conexión, una fuerza visual intensa. aprovechando esta fuerza se pueden desarrolar técnicas tan llamativas como el llamado puntillismo, que consiste en la creación de composiciones mediante puntos.

estas dos imágenes del artista Roy Lichtenstein muestran perfectamente la fuerza que puede crear el agrupamiento de puntos estratégicamente situados.

ARMONIA Y CONTRASTE

Los colores entre si pueden tener dos tipos de relación, o bien armoniosa o bien de contraste.

La relación de ARMONÍA surge cuando los colores de la composición en este caso sean afines, variaciones de un mismo tono. colores que se mantienen en una misma gama. Esto es que los colores tienen entre sí un color en común. un ejemploi de colores armonicos son el violeta y el cian. o el amarillo y el naranja.

Por el contrario CONTRASTE es exactamente lo contrario. son colores que están situados opuestamente en el círculo cromático. son colores con distinta temperatura (uno calido y otro frio) por ejemplo el rojo y el azul.

En el dibujo de este superheroe de comic tenemos el ejemplo perfecto del contraste de los tres colores primarios. rojo, amarillo y azul. estos tres colores se separan por si mismos. 

pero por ejemplo dentro de la capa roja vemos degradaciones de este mismo color, esto crea colores armoniosos, lo mismo ocurre con el calzon azul etc..

con esta imagen vemos que el contraste y la armonia pueden ser parte de una misma composición.

Este collage de estilo pop y este bodegón que responde al mismo estilo nos sirven para hablar de figura-fondo, pues en ellos podemos dar prioridad a alguna figura concreta, pero a nuestra vista le cuesta centrarse en una sola. esto es porque no hay digura y fondo, ambos son lo mismo. lo único que podría hacer que nos decantásemos por un elemento y lo llamaramos figura es el tamaño,pues como ya dijimos antes un elemento de gran tamaño tiene mayor peso visual que uno más pequeño.

✖✖✖FORMATO✖✖✖

El formato o soporte es la superficie de la que nos valemos para pintar. los formatos más usuales en pintura son el papel, lienzo, tabla, muro.. pero no siempre es así. con este vídeo vemos que hay algunos soportes que se salen de lo habitual. en este caso la pintura se realiza sobre el propio cuerpo humano. se llama bodypaint.

✖✖✖EQUILIBRIO✖✖✖

"Existe equilibrio cuando un peso es igual a otro y lo contrarresta, cuando distintos pesos se compensan o cuando existe armonía entre los distintos objetos.

En las artes plásticas cualquier figura concreta o cualquier mancha abstracta tiene un valor de peso que viene dado fundamentalmente por la posición de la forma en la superficie del soporte, por su tamaño, por su color o por su configuración"

Por posición:

si la figura está situada en el centro da sensación de equilibrio. cuanto más se aleje de este más desequilibrio producirá.

Por Tamaño:

cuanto más grande sea la figura, mayor peso visual tiene

Por textura:

Las manchas de color cuya configuración sea geométrica y su textura compacta y densa pesarán más que otras formas, de configuración más libre y textura porosa, que dejen entrever la superficie del soporte.

Por color:

En general los colores cálidos, los oscuros y las tierras pesan más que los colores fríos, los claros y los saturados o puros.

✖✖✖LEY FONDO-FIGURA✖ (GESTALT) ✖✖✖

La figura se reconoce primero sobre el fondo. sin embargo el ojo puede realizar la acción contraria,
es decir, convertir el fondo en figura y la figura en fondo.

Algunas obras de Escher como estas que aquí muestro pueden ser ejemplos perfectos para la explicación de la transformación de figura-fondo a fondo-figura.
cuando la diferencia entre ambos conceptos no es clara a esto de le llama Mímesis.

✖✖✖RELACIÓN FONDO-FIGURA✖✖✖

llamamos figura a un elemento que se encuentra centrado o descentrado en un primer plano. figura es el elemento o los elementos que llaman claramente nuestra atención. Mientras que el fondo se compone de el resto de elementos que ocupan un plano menos importante, menos llamativo. aquellos elementos que se situan a nuestra vista en un segundo lugar.

por ejemplo en este caso la figura la compondria la mujer, donde se centra toda nuestra atención, mientras que el fondo lo formarían los baldosines y la sombra del fondo.

para que fondo y figura no se confundan su diferencia debe ser bastante clara. esto se puede conseguir mediante planos bien definidos. luces, enfoques y desenfoques etcétera.

✖✖✖ESQUEMA COMPOSITIVO✖✖✖

COMPOSICIÓN SIMÉTRICA.

Muchos de los temas en artes plásticas habitualmente tienen uno o varios planos de simetría. Personas, animales, objetos, incluso la línea del horizonte pueden actuar en tal sentido. La imagen resulta agradable si los motivos situados a ambos lados del eje de simetría tienen el mismo "peso visual". La composición "simétrica es sencilla, solemne y formal" pero "fría y demasiado mecánica".

La composición simétrica responde a una idea matemática y arquetípica: mandalas, pirámides

CREANDO EQUILIBRIO CON COMPOSICIONES ASIMÉTRICAS

COMPOSICIÓN ASIMÉTRICA.

Son numerosas las variantes que pueden incluirse en este apartado. Se las conoce también con el nombre de "formas de letras o figuras" que adoptan. Las más utilizadas son "la triangular" y las realizadas en forma de S, L ó C, que parece ser que son las que más a gusto recorren nuestra vista.

COMPOSICIÓN CON LÍNEAS

Las líneas pueden estar presentes en la imagen o existir implícitamente uniendo sus elementos constituyentes. En una composición, las líneas pueden actuar "haciendo penetrar nuestra visión en determinados elementos, girando nuestra mirada por la imagen hasta el centro de interés, o haciendo salir nuestra mirada de la imagen lo más suavemente posible".

En la representación figurativa, las miradas de los personajes constituyen un eje para la comprensión de la obra

✖✖✖LA LINEA VISUAL✖✖✖

El formato determina la disposición de las formas que se agrupan y relacionan. esto es lo que forma la línea visual, la cual se encarga de mantener nuestra atención dentro de los límites de la composición
la línea visual la encontramos tanto en la fotogracia como en la pintura y dibujo...

✖✖✖LA COMPOSICIÓN Y EL FORMATO✖✖✖

La forma y la orientación de la superficie de trabajo (el soporte) influyen en gran medida en la composición de nuestra obra

El formato puede transmitir muchas sensaciones

-según la orientación:

VERTICAL [da sensación de equilibrio y elevación o ascenso]
HORIZONTAL [produce estabilidad afirmación y continuidad en la obra]

-según la forma:

CUADRADA: produce equilibrio
CIRCULAR: movimiento envolvente
OVALADA: tranquilidad y sosiego
TRIANGULAR: inestabilidad, presión, alteración